LA BARRETERIA
En su inicio, los objetos artesanos nacen de la inmaterialidad de una idea. Son fruto de una búsqueda de la forma, el gesto y los elementos que definen la creación y la transforman en cultura. Sin embargo, la cultura no puede entenderse sin contexto, sin la mirada generacional ni sin la intersección entre disciplinas artísticas.
Desde los orígenes, la artesanía ha sido un motor y a la vez un catalizador en el mundo de la moda. Artesanos y artesanas han sabido dominar técnicas que se expanden, se funden y conectan con otros lenguajes artísticos. El objetivo de la iniciativa 080_BEYONDCRAFTS es generar un debate sobre este proceso creativo en clave contemporánea.
El eje central del 080_BEYONDCRAFTS es el encuentro. Se quiere generar un espacio donde los artesanos y artesanas que repiensan el oficio y definen el momento actual en Cataluña, confronten y compartan ideas y propuestas. Proyectos que sobrepasan a menudo los límites establecidos, borran fronteras y nos obligan, como público ajeno a la mirada interna del oficio, a formularnos nuevas preguntas y a reconsiderar sus respuestas. De esta forma, la muestra se convierte en una mesa redonda en que confluyen procesos creativos y reflexiones sobre el contexto actual, y en el que se despliegan perspectivas diversas respecto a la artesanía actual.
Por primera vez se visibiliza un tejido común que aúna a estos creadores y creadoras, que elevan la cultura y el pensamiento a través de sus obras. Reunirlos en un mismo espacio nos permite entender el verdadero valor de lo que está sucediendo hoy en el mundo de la artesanía y de la cultura.
La primera edición del 080_BEYONDCRAFTS pondrá el foco en el oficio de la sombrerería, exponiendo un conjunto de obras de artesanos y artesanas que redefinen el modo de entender este oficio. Tanto a través de la técnica como del concepto de las piezas creadas, la muestra quiere definir cómo se expresa hoy la sombrerería en nuestro contexto, planteando preguntas y ofreciendo respuestas a las inquietudes culturales de nuestro tiempo.
ARTESANOS Y ARTESANAS
ANA VIVERO & NÚRIA GREGORI
Ana Vivero es artista y antropóloga y trabaja en su taller-sombrerería de Gracia, creando piezas únicas con técnicas tradicionales y materiales recuperados tales como la lana, la seda, plumas y tejidos. Su práctica combina la creación artística, la investigación y la mediación cultural, explorando memoria, oficio y experimentación.
Núria Gregori es estilista de moda y miembro del colectivo alemán Artistspool, con base en Barcelona, Hamburgo y Berlín. Trabaja en moda y artes visuales contemporáneas, centrándose en la calidad, la singularidad y los cambios de paradigma del sector, e imparte docencia en másteres de fashion styling.
Nombre de la obra: Dior Ranger
Fecha: septiembre de 2025
Materiales: capelina de pelo de conejo procedente del fondo histórico de la casa Rius de Forns, que se recupera y resignifica en esta nueva creación.
Técnica o proceso: sombrerería. El proceso incluye la limpieza y el reacondicionamiento del pelo, el modelado sobre molde tradicional y la posterior intervención manual para darle el acabado deseado.
Medidas: diámetro del ala de 50 cm. Alto de copa de 10 cm.
Descripción de la pieza y proceso de creación:
El Dior Ranger es un sombrero oversize en verde aguacate que contrapone la copa rectangular, de resonancias masculinas, con el ala New Look, epítome de la feminidad de posguerra. Está confeccionado con una capelina Velour de pelo de conejo de Rodolphe Simon, procedente del fondo recuperado de Rius de Forns. Para darle forma hemos trabajado con formas antiguas de este archivo, encajadas como un rompecabezas: una de corcho para la copa y una de esparto para el ala. Mediante vapor y un planchado manual, la pieza ha tomado volumen y carácter. El resultado es una silueta híbrida, entre fuerza y delicadeza, que desplaza los códigos convencionales.
ANDREA VIÊNTËC
Artista y diseñadora establecida en Barcelona, especializada en sombrerería y complementos con una fuerte carga conceptual y visual. Formada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y en diseño de sombreros en la escuela Central Saint Martins de Londres, su práctica combina arte y moda. Sus piezas exploran la identidad, el cuerpo y la transformación mediante materiales textiles, formas escultóricas y una estética propia, generando relaciones físicas y simbólicas con quien las lleva.
Compagina la creación artística con colecciones cápsula, encargos a medida y proyectos de escenografía, moda y cine. Recientemente, su trabajo ha evolucionado hacia la creación de materiales y tejidos propios, incorporando elementos efímeros y biodegradables, como la rafia o el alginato, y abriendo nuevas formas de relación entre proceso, cuerpo y tiempo.
Nombre de la obra: Avava Samo raffia hat
Fecha: septiembre de 2023
Materiales: fibra de rafia y algodón tintados.
Técnica o proceso: confección manual del tejido y trama de ganchillo con fibras de rafia y algodón.
Medidas: 28 cm parte posterior, 15 cm frontal y 68 cm de contorno
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Avava Samo parte de un encargo de un cliente con el que confeccionamos un traje completo de samurái. La intención tanto del traje como del sombrero era revisar los materiales clásicos de este tipo de indumentaria, con toda la carga tradicional que conllevaba su uso, y realizar una propuesta que huyera de las connotaciones de los tejidos originales. Con una mirada puesta en las materias y fibras de otras culturas, incluida la nuestra, trabajé con un ganchillo emulando volúmenes y formas que aparecen en tradiciones de Samoa y de otras islas oceánicas. De ahí surge el nombre de la pieza, y de su aspecto la intención de diálogo entre culturas.
Espíritu Club x Iceblade
Espíritu Club es una marca de upcycling establecida en Barcelona que transforma residuos y excedentes de la industria textil en piezas únicas mediante técnicas creativas y sostenibles. Con un enfoque comunitario, el colectivo busca generar relaciones significativas y concienciar sobre la importancia del consumo responsable y la valoración de los materiales que perduran.
Su estudio se encuentra en Sitio, un espacio de encuentro sensible y sostenible en el barrio de Gracia. El colectivo está formado por diseñadores y diseñadoras de moda, profesionales gráficos, fotógrafos y especialistas en marketing que trabajan de manera horizontal fomentando la diversidad, la inclusión y la libertad de expresión. Las creaciones de Espíritu Club surgen de un proceso colectivo y colaborativo con materiales reciclados, combinando sensibilidad estética, conciencia ecológica y diálogo con el entorno.
Nombre de la obra: Alfareras Visor
Fecha: 2024
Materiales: PLA (ácido poliláctico), biopolímero a base de fermento de maíz, 100% ecológico y compostable.
Técnica o proceso: impresión 3D
Medidas: 19 cm x 17 cm x 11 cm aprox.
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Nuestra Alfareras Visor fue creada en colaboración con el diseñador mexicano ICEBLADE como parte de nuestro Capítulo 03: Alfareras, perteneciente a nuestra Co-Selection OFICIOS, 2024, que busca honrar la dedicación, las herramientas y las vestimentas que caracterizan a los artesanos. Inspirada en su meticuloso trabajo y en la profunda conexión con los materiales en bruto, Espíritu Club pretende generar conciencia entre el público sobre la importancia del consumo consciente y valorar aquello que perdura. Está impresa en 3D con PLA, un biopolímero a base de fermento de maíz, 100% ecológico y compostable. La visera se ajusta a la cabeza con la ayuda de ocho cuerdas creadas a partir de camisetas de segunda mano.
JAVIER GUIJARRO
Javier Guijarro Torrell, conocido como Javier Guijarro, es un joven diseñador catalán que forma parte de la nueva escena de Barcelona y España gracias a su marca homónima. Tras captar la atención en las redes sociales, lanzó su propia marca en 2022, con sólo 22 años.
Su obra combina la esencia del traje clásico masculino con nuevas siluetas y actitudes contemporáneas, reflejando experiencias personales, cultura, paisajes y el entorno que le rodea. Guijarro transforma el concepto de lo clásico a través de la mirada de las nuevas generaciones, creando una identidad de marca sólida y fresca que dialoga con la vida cotidiana y el arte.
Nombre de la obra: La Gran Boina
Fecha: septiembre de 2023
Materiales: fieltro de lana.
Técnica o proceso: boina escultórica en fieltro de lana gris, conformada a mano con vapor y calor sobre un molde de madera.
Medidas: 20 cm x 15 cm x 36 cm
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Su silueta asimétrica y alargada hacia delante genera un fuerte efecto de sombra sobre el rostro, dotando a la pieza de un carácter contemporáneo y experimental. El proceso de creación parte de un capelina de fieltro, material que se moldea manualmente hasta que adopta la forma del molde. Una vez secado y fijado, se realizan los acabados de corte y planchado, que consolidan la rigidez y la limpieza del volumen. El resultado es una pieza que aúna la técnica tradicional de la sombrerería y el diseño escultórico actual.
MAGDALENA HART
Magdalena Hart desarrolla una práctica situada entre el arte, la ecología y la tecnología. Crea dispositivos sensibles para habitar las tensiones ecológicas y narrativas del presente, explorando cómo imaginar futuros posibles desde lo sensible y lo más-que-humano. Su historia de migraciones personales y familiares ha marcado una sensibilidad hacia el cuerpo como archivo y el lenguaje como territorio mutable. En 2018 cofundó Akyute, un dueto de instalaciones interactivas; en 2023, Rain and Rivers, escultures portables en vidrio que articulan fragilidad y presencia; y Manglar, un colectivo transdisciplinario inspirado en los ecosistemas híbridos.
Nombre de la obra: ¿Cómo nace el coraje en una persona?
Fecha: 2025
Materiales: vidrio borosilicato, acero inoxidable y cera de abeja.
Técnica o proceso: vidrio soplado a mano. La pieza recurre a una técnica que incorpora tornillos de acero para sujetar las velas de cera de abeja.
Medidas: 14 cm x 10 cm x 18 cm
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Esta pieza forma parte de la serie performativa A Skin of Soil [Live A/V], una colaboración entre Akyute (Magdalena Hart y Natalia Gima) y Alice Sparkly Kat. Juntas exploran el año de la serpiente para encarnar nuevas pieles: una serie de historias narrativas y especulaciones que juegan con el concepto de resurrección mediante el fuego. Como nos recuerda Alice: Si el 2025 es el año de la serpiente, entonces es tiempo de quemar. La performance se presentará por primera vez en el Mira Festival 2025.
NICOLÁS ALONSO
Nicolás es diseñador y artesano especializado en moda y accesorios. Su trabajo explora la unión entre técnicas tradicionales y un lenguaje poético, creando piezas que oscilan entre lo funcional y lo simbólico. Inspirado en la nostalgia, lo bohemio y lo escénico, concibe cada accesorio como un fragmento de historia y memoria.
Nombre de la obra: Memory of a Sailor’s Hat
Fecha: 2025
Materiales: piel de cordero teñida, cintas de raso e hilo.
Técnica o proceso: confección artesanal en piel, costura y cierre lateral con cordón.
Medidas: Ala: 7 cm · Altura total: 12 cm · Diámetro: 23 cm
Descripción de la pieza y proceso de creación:
La pieza se inspira en los sombreros tradicionales de los marineros. Su sencilla silueta se realza con un interior rojo y una lazada lateral de cintas que prolonga la línea del mar y el recuerdo del viaje. Confeccionada en piel de cordero, mantiene la nobleza del material y la sobriedad propia de la indumentaria marinera, transformada aquí en un objeto cargado de teatralidad y poesía.
SARA HUGUET
Sara Huguet, diseñadora de moda barcelonesa, combina las herramientas aprendidas en los estudios con la experiencia de crear una compañía de teatro con amigos, origen de su gusto por la puesta en escena y la experimentación. Su trabajo transita entre la moda, la artesanía y la performance.
Nombre de la obra: SH tocat 8
Nombre del o de la artista / artesano o artesana: Sara Huguet
Fecha: mayo de 2025
Materiales: sarga encerada y agrietada manualmente, cuero negro, organza con círculos semiacuñados y pluma de gallina de guinea.
Técnica o proceso: tocado en formato de clip.
Medidas: 25 cm x 12 cm
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Proceso creativo guiado por la intuición, cogiendo recortes de mis manipulaciones textiles preferidas y haciendo collage sobre mi cabeza como maniquí, mirándome al espejo hasta encontrar una armonía de tejidos (verme guapa).
SWAN SALON
Swan Salon es un espacio especializado en la transformación identitaria mediante la alteración física y simbólica. Su práctica diseña y confecciona piezas capilares que combinan técnicas tradicionales con usos contemporáneos, funcionando como dispositivos críticos sobre el cuerpo y su representación. En Swan Salon, la motivación que impulsa las creaciones no procede necesariamente del atractivo estético, y se nutre de los poderes culturales, políticos y sociales que rodean la experiencia de la alteración.
Nombre de la obra: Hairy Hat
Fecha: abril de 2024
Materiales: cabello humano y fibras sintéticas
Técnica o proceso: recolección, costura y coloración de fibra capilar humana, integrada en tejidos sintéticos reutilizados y preexistentes. Estilización de la fibra e incorporación de texturas adicionales.
Medidas: 30 cm x 60 cm
Descripción de la pieza y proceso de creación:
Hairy Hat forma parte de un conjunto de productos de alteración temporal concebidos para ayudar a los cuerpos a expresar y redefinir sus percepciones contemporáneas. Esta pieza desafía los límites entre identidad, ornamento y transformación: el cabello, cargado de significados culturales, políticos e íntimos, es desplazado de su contexto originario para convertirse en materia plástica y performativa. En diálogo con tejidos sintéticos reutilizados, el resultado cuestiona el atractivo como valor único y propone entender la alteración del cuerpo como un espacio de expresión, resistencia y redefinición contemporánea.
Con motivo de la celebración de la 080 Barcelona Fashion 2025, Artesanía de Catalunya impulsa la iniciativa 080_BEYONDCRAFTS, un espacio de reflexión para comprender los procesos de creación de la artesanía contemporánea, subrayando el papel relevante y esencial que desempeña en el mundo de la moda y la cultura. Así, se desea mostrar y visibilizar el tejido de artesanos y artesanas que dan forma y modelan hoy la artesanía, tal y como la conocemos.
Para la creación y conceptualización de este encuentro se pidió a cada uno de estos artesanos y artesanas que definiera el gesto más significativo de su proceso creativo. A partir de sus respuestas se han diseñado diez obras visuales que acompañan cada pieza, así como este espacio expositivo e inmersivo. Las formas, los movimientos y las texturas varían según la mirada de cada creador o creadora, convirtiendo cada propuesta en una obra singular dentro del conjunto.
Guillermo Solas, Director creativo
EL equipo:
Guillermo Solas - Director creativo (@guillermo.solas)
Pau Geis - Producción (@paugeis)
Marta Gutierrez - Diseño de display (@martagutierrz)
Oriol Colomer - Técnico de vídeo y montaje (@oriolonbass)
Arnau Coll – Artista digital (@mimitos.online)
Jaime Domingo - Técnico de sonido y diseño sonoro (@quieebra)
